Die Zahlen bestätigen erneut, dass von sexueller Belästigung und Gewalt überwiegend Frauen betroffen sind. Die Anzahl der bei der Themis Vertrauensstelle gemeldeten Übergriffe an Frauen überwog mit über 70% deutlich. Umgekehrt gingen Belästigungen oder Missbräuche in über 80% aller Fälle von Männern sowie in der großen Mehrzahl der geschilderten Belästigungssituationen von Vorgesetzten oder höhergestellten Personen aus.

Mit einem erweiterten Angebot an Fort- und Weiterbildungsmöglichkeiten für Unternehmen und Institutionen der Kultur- und Medienbranche, erhalten Arbeitgebende eine kostengünstige Möglichkeit, ihre gesetzlich zwingend erforderlichen Beschwerdestellen im komplexen Thema der sexuellen Belästigung zu qualifizieren. Die Themis Vertrauensstelle berät zudem seit April komplett ortsunabhängig nun auch per Chat, Video oder Mail.

Kontakt: themis-vertrauensstelle.de

Bühnen sind wirtschaftlich produktive Infrastrukturen
Für die untersuchten Berliner Kultureinrichtungen errechnet die Studie im Durchschnitt eine Umwegrentabilität von 3,56: Jedem Euro öffentlicher Förderung stehen mehr als 3,50 Euro wirtschaftliche Effekte innerhalb der Stadt gegenüber. Für Sprechtheater ergibt sich ein Faktor von 3,48, für Oper und Ballett von 2,70 und für Konzerthäuser von 5,10. Diese Werte bedeuten nicht, dass die Förderung vollständig als Geld an den öffentlichen Haushalt zurückfließt. Sie zeigen aber, welches Volumen an Beschäftigung, Aufträgen, Konsum, Steuern und Sozialabgaben durch die Einrichtungen ausgelöst wird.

Für die politische Argumentation ist dabei entscheidend: Große Bühnen sind personalintensive Betriebe, Ausbildungsstätten und Auftraggeber für Handwerk, Veranstaltungstechnik, Logistik, Sicherheit, Reinigung, Kommunikation, Gastronomie und zahlreiche weitere Dienstleistungen. Ihre wirtschaftliche Bedeutung liegt deshalb nicht nur in den Eintrittseinnahmen. Sie entsteht aus ihrem gesamten Produktionsbetrieb und aus der Nachfrage, die Beschäftigte und Publikum in der Region erzeugen.

Publikum finanziert die Stadt mit
Den größten Teil der wirtschaftlichen Effekte verursachen vielfach die Besucherinnen und Besucher. Rund um einen Theater-, Opern- oder Konzertbesuch entstehen Ausgaben für Gastronomie, Hotellerie, Mobilität, Einzelhandel und weitere Freizeitangebote. Besonders publikumsstarke und überregional sichtbare Häuser erzeugen daher erhebliche Nachfrageeffekte in anderen Branchen.

Diese Logik lässt sich auf Musicals, Festivals, Klassik-Open-Airs und andere herausgehobene Veranstaltungsformate übertragen, auch wenn sie in der Studie nicht jeweils als eigene Kategorie berechnet werden: Je stärker ein Angebot zusätzliche Besuche aus dem Umland oder Übernachtungsreisen auslöst, desto größer ist sein Nutzen für die lokale Besuchsökonomie. Kulturpolitik, Tourismuspolitik und Stadtmarketing sollten deshalb nicht getrennt voneinander agieren.

Argument im Wettbewerb um Fachkräfte und Unternehmen
Fast 90 Prozent der befragten Berliner Unternehmen halten das Kulturangebot für wichtig, um neue Mitarbeitende zu gewinnen; rund 85 Prozent sehen einen positiven Einfluss auf die Mitarbeiterbindung. Theater und klassische Konzerte werden dabei ausdrücklich als relevante Standortfaktoren genannt. Unternehmen verbinden Kultur zudem mit Lebensqualität, Reputation, Innovation und Teamzusammenhalt.

Für andere Städte und Regionen ist dies besonders relevant: Wo Unternehmen um qualifizierte Beschäftigte konkurrieren, gehört ein hochwertiges Kulturangebot zur sogenannten weichen Infrastruktur – ähnlich wie Bildungsangebote, Mobilität oder attraktive öffentliche Räume. Ein Theater oder Konzerthaus ist damit nicht nur eine Einrichtung für das bestehende Publikum, sondern Teil des Leistungsversprechens eines Standorts gegenüber Fachkräften, Familien, Unternehmen und Investoren.

Kultur schafft touristische Profile, die nicht beliebig austauschbar sind
In Berlin nennen 61 Prozent der Gäste Kunst und Kultur als Reisegrund. Kulturell motivierte Gäste bleiben im Durchschnitt länger und geben dadurch mehr Geld am Standort aus. Für andere Orte folgt daraus nicht, dass sie die Berliner Größenordnungen übernehmen können. Wohl aber zeigt sich ein allgemeines Prinzip: Theaterfestivals, Opernhäuser, Musicals, internationale Orchester, Sommertheater und Klassik-Open-Airs können unverwechselbare Reiseanlässe schaffen. Sie geben einer Stadt ein Profil, das sich nicht allein durch Handel, Gastronomie oder allgemeine Freizeitangebote herstellen lässt.

Gerade an kleineren und mittleren Standorten kann die relative Bedeutung eines einzelnen Hauses sogar größer sein als in Berlin. In der Hauptstadt verteilt sich die Aufmerksamkeit auf eine außergewöhnlich hohe Zahl internationaler Attraktionen. Die Studie erklärt damit beispielsweise die im Berliner Vergleich niedrigere Umwegrentabilität der Oper: Nicht mangelnde Qualität, sondern die enorme Konkurrenz innerhalb des Kulturangebots begrenzt ihre Funktion als alleiniger Reiseanlass. In Städten mit einem klar herausgehobenen Theater-, Opern- oder Festivalprofil kann die einzelne Institution dagegen wesentlich stärker als touristischer und identitätsbildender Anker wirken.

Gesellschaftliche Standortqualität
Die Legitimation öffentlicher Kulturförderung sollte dennoch nicht auf wirtschaftliche Kennzahlen reduziert werden. Bühnen schaffen kulturelle Bildung, demokratische Diskursräume, Begegnung und gemeinschaftliche Erfahrungen. Regelmäßige kulturelle Teilhabe steht laut Studie zudem in einem messbaren Zusammenhang mit Wohlbefinden und Lebensqualität. Klassische Einrichtungen können ihre Standortwirkung weiter erhöhen, wenn sie sich stärker als offene „Dritte Orte“ verstehen, Vermittlung, Outreach und Kooperationen ausbauen und auch außerhalb der Vorstellung sichtbar werden.

Was sich verallgemeinern lässt
Die konkreten Berliner Multiplikatoren sind aufgrund der Größe der Stadt, des internationalen Tourismus, der hohen Angebotsdichte und der besonderen Hauptstadtfunktion nicht unmittelbar auf andere Kommunen übertragbar. Die Wirkungsmechanismen sind es jedoch:

Kulturförderung sichert nicht nur Programme, sondern eine produktive Infrastruktur. Sie stabilisiert Beschäftigung und regionale Wertschöpfung, belebt Innenstädte und Abendökonomie, stärkt Tourismus und Stadtmarke, unterstützt Unternehmen im Wettbewerb um Fachkräfte und schafft Räume für Bildung, Begegnung und gesellschaftliche Verständigung.

Der zentrale Satz gegenüber der Politik lautet deshalb: Theater, Opern und Konzerthäuser sind keine nachgeordneten freiwilligen Extras, die man sich erst nach Erledigung der „eigentlichen“ Standortpolitik leisten kann. Sie sind selbst ein wesentlicher Teil dieser Standortpolitik. Kürzungen verringern daher nicht nur das künstlerische Angebot. Sie schwächen zugleich Beschäftigung, Besucherwirtschaft, Attraktivität, Identität und Zukunftsfähigkeit eines Standorts.

Link zur Studie:
iktf.berlin/neue-iktf-studie-zeigt-jeder-euro-kulturfoerderung-bringt-berlin-mehr-als-350-euro-zurueck/

Damit das alles einfacher und schneller geht, hat der Deutsche Bühnenverein, als Herausgeber der Werk- und Theaterstatistik, nun ein neues Theaterstatistikportals gestartet, über das Theater ihre Daten direkt eingeben können.

Um dies zu feiern, ist jetzt zudem das Themenheft »Daten-Theater« des Deutschen Bühnenvereins und der DEUTSCHEN BÜHNE erschienen. Die Publikation bietet einen Überblick über Theater- und Werkstatistik, grenzt beide Bereiche voneinander ab und verdeutlicht ihre Bedeutung für Theaterpraxis, wissenschaftliche Analysen und kulturpolitische Entscheidungen. Anhand von Beiträgen, Interviews und anschaulichen Grafiken werden sowohl historische Entwicklungen als auch aktuelle Datenauswertungen dargestellt.

Das kostenlose digitale Sonderheft steht hier zum Download bereit: https://www.die-deutsche-buehne.de/hefte/themenheft-daten-theater/ 

Heidi Wiley, Geschäftsführerin der European Theatre Convention: „In einer Zeit, in der sich viele Nationen nach innen wenden, feiert diese Konferenz die Offenheit für kulturellen Austausch sowie die Förderung von Diversität, Nachhaltigkeit und Innovation im Theater. Indem wir unsere Perspektiven für die Welt öffnen, bekräftigen wir die Rolle des Theaters als Raum für Dialog, Transformation und kollektive Vorstellungskraft. Gleichzeitig feiern wir einen historischen Meilenstein: Mehr als 50 % der ETC-Theater werden heute von Frauen geleitet.“

Das Programm umfasst Vorträge, Workshops und Aufführungen. Zu den Höhepunkten zählen eine Keynote von Josette Bushell-Mingo OBE, Direktorin der Royal Central School of Speech and Drama in London, sowie Podiumsdiskussionen zur Rolle nationaler Theater in einer sich wandelnden politischen Landschaft.

Ein weiterer Programmhöhepunkt ist das Panel National Theatres in a Changing Political Landscape. Hier diskutieren Theaterleiter:innen aus ganz Europa, wie sich veränderte politische und kulturelle Rahmenbedingungen auf die darstellenden Künste auswirken – und welche Rolle internationale Zusammenarbeit beim Schutz der künstlerischen Freiheit spielen kann.

Teilnehmende sind unter anderem:
• Kitte Wagner, CEO des Royal Dramatic Theatre
• Kjersti Horn, Direktorin von Det Norske Teatret
• Martin Kukučka, Künstlerischer Leiter des Nationaltheaters Prag
• Norbert Rakowski, Generalintendant und Künstlerischer Leiter des JK Opole Theatre
• Judith Videcoq, Referatsleiterin Creative Europe, Europäische Kommission

Die Moderation übernimmt Frida Edman, CEO des Göteborgs Stadsteater. Das Programm behandelt außerdem Themen wie Führung, künstlerische Freiheit und Geschlechtergerechtigkeit in den darstellenden Künsten. Die Initiative The 50%: Women in Leadership hebt den Fortschritt bei der Gleichstellung hervor und markiert den Meilenstein, dass die Hälfte der öffentlich geförderten ETC-Mitgliedstheater von Frauen geleitet wird. Darüber hinaus bietet die Konferenz eine nordische Perspektive auf internationale Zusammenarbeit sowie Diskussionen zur europäischen Kulturpolitik und zu zukünftigen Kooperationsprojekten.

Frida Edman, CEO des Göteborgs Stadsteater: „Die Entscheidung der European Theatre Convention, ihre Konferenz in Göteborg auszurichten, ist eine Anerkennung unserer internationalen Position – sowohl als zeitgenössische Theaterinstitution als auch als Kulturstadt. Für uns ist internationaler Austausch ein zentraler Bestandteil unseres Auftrags – er ist in unserem Mandat verankert.“

Link zum Event

Im Zentrum des Portals stehen analytische Fachbeiträge zu den zentralen Branchen der Musikwirtschaft: von Kreativen, Musikverlagen und Verwertungsgesellschaften über Live Entertainment und den Recorded-Music-Markt bis hin zu Musikinstrumentenbau und Musikfachhandel. Die Beiträge analysieren Strukturen und Marktmechanismen, ordnen aktuelle Entwicklungen ein und machen die vielfältigen Verflechtungen zwischen den einzelnen Bereichen sichtbar. Herausforderungen wie die Veränderung des Recorded-Music-Markts durch Streaming und KI werden ebenso aufgegriffen wie der Konkurrenzdruck durch Billigimporte im Musikinstrumentenbau oder erhöhte Ticketpreise im Live-Segment durch Teuerungen bei Gagen, Mieten und Personal.

Erarbeitet wurden die Beiträge von ausgewiesenen Expertinnen und Experten aus Wissenschaft und Praxis, darunter Prof. Dr. Martin Lücke (Macromedia University), Prof. Dr. David-Emil Wickström (Popakademie Baden-Württemberg), Ruprecht Langer (Deutsches Musikarchiv), Prof. Dr. Enrico Weller (Westsächsische Hochschule Zwickau), Prof. Jens Michow (Fachanwalt für Veranstaltungs- und Medienrecht), Dr. Alexander Thamer (Fachanwalt für Urheberrecht), Birgit Böcher (Verband Deutscher Musikverlage/Gesamtverband Deutscher Musikfachgeschäfte) sowie Dr. Christiane Albiez (ehem. Schott Music) und Prof. Dr. Christian Baierle (ROBA Music Publishing).

Über die Fachbeiträge hinaus bietet das Themenportal einen umfassenden Zugang zu Daten und Akteuren der Branche: Ein recherchierbares Verzeichnis von Unternehmen, Verbänden und Institutionen ermöglicht differenzierte Einblicke in Strukturen und Tätigkeitsfelder der Musikwirtschaft. Ergänzt wird dieses Angebot durch den Musikatlas, der die Akteure geografisch abbildet und regionale Schwerpunkte sichtbar macht. Statistiken, Studien, musikpolitische Dokumente, ein Tutorial zum Urheberrecht sowie Hinweise auf Tagungen und Weiterbildungen erweitern das Informationsangebot.

Damit ermöglicht das Deutsche Musikinformationszentrum, eine Einrichtung des Deutschen Musikrats, einen zentralen, vernetzten Zugang zur Musikwirtschaft in Deutschland – als Grundlage für Recherche, Analyse und Einordnung für Politik, Branche, Wissenschaft, Medien und Öffentlichkeit. Entwickelt wurde das Themenportal in Zusammenarbeit mit Martin Lücke und in konzeptioneller Abstimmung mit dem Forum Musikwirtschaft.

Im folgenden Interview gibt der Geschäftsführer von Reservix, Johannes Tolle, Einblicke in die strategischen Ziele, die Integration und die Auswirkungen für Veranstalter und Kultureinrichtungen.

tma: Herr Tolle, was hat für Sie den Ausschlag für die Übernahme von Vibus gegeben?

Johannes Tolle: Es ist ganz simpel: … jetzt mehr lesen als Abonnent*in. Hier registrieren

nicht vollständig außer Kraft, da die VdO weiterhin zu dem Tarifvertrag stehe. Damit gelten nach Meldung des Deutschen Bühenvereins  die aktuellen Bestimmungen für alle Arbeitsverträge, die bis zum 30. Juni 2026 auf Basis des NV Bühne abgeschlossen wurden oder noch werden – möglich ist das durch die arbeitsvertragliche Bezugnahme. Mit Beschäftigten, die ab dem 1. Juli 2026 eingestellt werden und die keine VdO-Mitglieder sind, könnten vom NV Bühne abweichende Regelungen vereinbart werden. Damit könnten andere Arbeitsbedingungen aber auch andere Vergütungen als im NV Bühne vorgesehen gelten.

Der Deutsche Bühnenverein stehe nach eigener Aussage weiter zum Tarifvertrag NV Bühne. Demnach sollen die Verhandlungen zum NV Bühne Anfang 2026 fortgesetzt werden. Weitere Runden seien bereits bis Sommer geplant.

Kritisch werden die Gewerkschaftsforderungen von den Arbeitgebervertretern vor allem aufgrund des enorm gestiegenen Spardrucks in den öffentlichen Haushalten gesehen, die sich auch in den Budgets der Theater deutlich widerspiegeln.

Für 2026 sind zwei digitale Formate geplant, die, über das Jahr verteilt, jeweils vier Veranstaltungen umfassen, die sich an Tanzschaffende, Veranstalter:innen, Produzent:innen und Kulturinstitutionen aus NRW und weltweit richten:

„NRW meets … International Dance“ bringt Tanzprofessionals aus Nordrhein-Westfalen mit Kolleg:innen aus anderen Ländern und Regionen zusammen. Im Fokus der Netzwerktreffen stehen internationale Distribution, Kooperationen, Gastspiele, Partnerschaften und kulturpolitische Rahmenbedingungen.

„Talk & Connect – International Dance Dialogue“ widmet sich dem Diskurs über Themen im internationalen Kontext und greift dabei Arbeitsformen, faire Bedingungen im Veranstaltungs- und Touringbereich sowie Diversität und Zugänglichkeit im kuratorischen Kontext und Mobilität und Nachhaltigkeit im künstlerischen Zusammenhang auf.

Erste Termine

NRW meets… International Dance #1
Take it on tour – Produktive Netzwerke für internationale Distribution
Mit Künstler:innen, Veranstalter:innen und Netzwerken
11. Februar 2026 | 13:00 – 13:45 Uhr

Talk & Connect – International Dance Dialogue #1
Working together – international networks and partnerships
25. März 2026 | 14.30 – 16:00 Uhr

Perspektive
Das internationale tanzmeeting fragt nach den Erfahrungen guter internationaler Zusammenarbeit, und danach, unter welchen Voraussetzungen internationale künstlerische Praxis stattfinden kann. Es versteht sich als Brücke zu einem internationalen Live-Event 2028 und als Grundlage für die nachhaltige Weiterentwicklung eines internationalen Networking-Formats. Mit diesem Format stärkt das nrw landesbuero tanz die NRW-Tanzszene darin, internationale Netzwerke aktiv zu pflegen und weiterzuentwickeln – digital, kostenfrei und ressourcenschonend.

Weitere Informationen: www.landesbuerotanz.de, www.tanzmeeting.com